DAVID CARSON

Carson apuesta a la metáfora, la sugerencia y la interpretación abierta a través de la diagramación (layout) con elementos de lenguaje visual como la tipografía, la fotografía y la ilustración con imágenes texturadas, desenfocadas, en multi capas, que reverberan o apenas aparecen. Su inspiración proviene de la vida cotidiana y no del trabajo de otros diseñadores o de la tradición tipográfica. Es por eso que ha logrado instaurar una nueva manera de componer tipografía manejando códigos visuales que retan a las convenciones de la lectura, pero sin descuidar en ningún momento la potencia comunicacional. Su libro The end of print (1995) se convirtió en el libro sobre diseño gráfico más vendido en la historia, situación ante la cual Carson asoma la broma: "Si hubiera sabido que se iba a vender hubiera hecho un mejor libro, pero en realidad no tenía idea". En el prólogo de este libro se aprecia el uso del concepto de la ENTROPÍA como un sistema de energía que estructura el desorden… "Es más difícil hacer un buen diseño caótico que un buen diseño limpio". Carson se ha convertido en una figura renombrada del diseño gráfico internacional y su trabajo ha sido muy influyente en las nuevas generaciones de diseñadores. Sus clientes van desde la banda de rock Nine Inch Nails hasta Giorgio Armani. Más recientemente ha abordado otros formatos como el video, el cine, la fotografía o el diseño web.  Estamos de acuerdo con el punto de vista de este diseñador porque no sigue el mismo esquema obvio de sus predecesores y busca siempre la innovacion lo cual le suma un valor agregado a todas sus creaciones. http://www.davidcarsondesign.com/ http://www.cursosdesign.com.ar/maximos1.htm DANIEL RUEDA  CAMILO ORTEGA DAVID SOLARTE

Massimo Vignelli - Canon Vignelli

De acuerdo a la película Helvética, y analizando un poco el pensamiento del diseñador italiano Massimo Vignelli encontré en su website una frase que me llamó muchísimo la atención y con la que me siento completamente de acuerdo:

Me gusta que el diseño sea:
Semanticamente correcto,
Sintacticamente consistente
y Pragmaticamente comprensible.

Me gusta que sea visualmente poderoso,
intelectualmente elegante
y sobre todo, que perdure

                               Massimo Vignelli.

Además la compañía Vignelli, de quien es fundador el mismo Massimo Vignelli y su esposa Lella, en su website, nos entregan un documento en pdf del que podemos tomar muchos datos importantes para aprender sobre los canones que sus diseñadores utilizan para una óptimo diseño, aunque claro está, no son necesariamente las reglas universales, pues como dicen en su manual:No es la intención de este pequeño libro sofocar la creatividad o para reducirlo a un montón de reglas. Todo depende del cerebro para utilizar la fórmula correcta para lograr el resultado deseado.Link para descargar el CANON DE VIGNELLI http://www.vignelli.com/canon.pdf

David Francisco Díaz.  DG III

Entre otras, algo de su biografía encontré en este post:

Massimo Vignelli es un diseñador de los que hay que conocer. Su trabajo, admirado en todo el mundo, se basa en conceptos demasiado importantes como para no prestarles atención: responsabilidad social, simplicidad, fuerza y evolución.

Nacido en Milán, emigró en los años 50 a Estados Unidos y creó -junto a su mujer, Lella Vignelli- la empresa de diseño Vignelli Associtesdesde allí continúa trabajando en un abanico bastante amplio de aplicaciones: diseño de marca, de producto, de packaging, diseño gráfico y de muebles.

Entre sus trabajos más comentados y notables, destaca el sistema de señalética y mapas para el metro de Nueva York (1966) y elMuseo Guggenheim en Bilbao (1998), la identidad corporativa de Bloomingdale’s (1972), la de Benetton (1995) y un larguísimo etcétera.

Pero lo más interesante de Vignelli es su aproximación al diseño como solución de problemas, como una disciplina que crea productos no elitistas. Se aleja del diseño cortesano y abraza las enseñanzas de escuelas que buscan centrarse en la función más que en la estética. Se declara seguidor de Mies van der Rohe, deJosef Hoffman y persigue un diseño responsable con la sociedad.

Ahí queda eso… Yo no puedo dejar de pensar en esos 5 atributos con los que define su trabajo:
Barato, básico (lo indispensable), intelectualmente elegante, con fuerza y permanente.

¿Acaso no deberían ser esos los atributos del diseño en general?

Fuente:

http://www.jmarquez.com/2006/06/20/massimo-vignelli/

David Francisco Díaz.  DG III

CARTEL HELVETICA-EN BASE A DAVID CARSON

sociologo que un buen día comenzó a hacer diseño gráfico, nacido en Texas, Estados Unidos en 1956. Carson siempre estaba usando un 5 de cabeza en lugar de una S, usaba un 3 como E, por lo que sus artículos eran díficiles de leer. Esta actitud y sus diseños ha sido muy criticados, pero a Carson parece no importarle y a sus clientes, tampoco.

Considerado un genio por los diseñadores jóvenes y un hereje por los diseñadores más ortodoxos, Carson, es por convicción, un radical del diseño, trata de ser siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”. Se afirma que sus diseños son más obras de arte y no de diseño cuya función primordial es comunicar. Carson refuta esta idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un diseñador no puede permanecer pasivo ante diseño, y ser totalmente objetivo. Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que su trabajo se basa en la intuición más que en el pensamiento puramente racional.

 David Carson fué el pionero del diseño estrafalario y alternativo en el diseño editorial, fué director de arte de la revista Ray Guy, sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística en las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992),en 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine. Ademas de ser recargado en sus diseños obtiene gran distincion po ello. 

Estoy de acuerdo por la manera en que muestra tal expresion haciendo que se exalten todas las medidas.

CARTEL REALIZADO POR RICHARD PINTO

Trabajo sobre helvética

A partir del documental Helvética, escoger uno de los personajes entrevistados y en un escrito definir ¿porqué estoy de acuerdo con el punto de vista expuesto por este diseñador? ¿Cuál es el perfil biográfico del diseñador? (anexar links a páginas con su trabajo) y finalmente realizar un afiche para la película (helvética) inspirado en el diseñador escogido (como una forma de rendirle un tributo al diseñador y al documental al mismo tiempo). 

Esta información debe subirse a este blog en forma de post (publicación) y en gripos de dos personas.

Helvetica

A continuacion los links de los archivos de la pelicula helvetica
Imagenes:
http://www.mediafire.com/?8uod7372gq2y3cc
Pelicula (en dos partes):
http://www.mediafire.com/?u5eu4um85w2ccz2
http://www.mediafire.com/?tci27zd8ihgmqg9
El formato de video se reproduce en vlc

la información para el trabajo a realizar no esta contenido en ninguno de los archivos
 los datos para realizar la publicación la proporcionara el profe

Documentacion general: Taller e historia

http://www.mediafire.com/file/qglb2ptddh7cce4/documentaciongeneral.rar

Ejercicio para la próxima clase:

Estas son las pautas para el ejercicio de Historia III, la imagen que deben analizar es la misma que subieron al blog (una imagen de un diseñador/artista de influencia para la definición del diseño gráfico de finales del siglo XIX, comienzos del XX), los grupos máximo de dos personas, se entrega impreso en el salón de clase el día 14 de Septiembre. 

Comuníquese y disfrútese.

MATICE ( alegría de vivir)

MULTITUD DE ESTILOS SIGLO XX

se dice que matice en 1905 y 1906, realizó un óleo de grandes dimensiones (175 x 241 cm),Le bonheur de vivre, conocido también como La joie de vivre (La alegría de vivir). Se expuso en el Salón de los Independientes de 1906 y causó honda impresión. uno de ellos picasso  que contestó! a esta obra con. Con el paso del tiempo fue adquirida en 1922 por el doctor Albert Coombs Barnes, que la expuso en la colección de su Fundación. Reproducida durante mucho tiempo sólo en blanco y negro, se ha convertido en una pintura legendaria.
jonnathan obando

YEHUDA MIKLAf,(poema de Noga Yetom)

IMPRESO EN PAPEL MARMOREO

Kisoji no oku amida ga taki (La cascada de Amida en el camino Kiso)

http://www.taringa.net/posts/arte/1871038/Katsushika-Hokusai-_1760-1849_-_-_.html
 
Katsushika Hokusai (葛飾 北斎, Katsushika Hokusai^?), conocido simplemente como Hokusai (北斎, Hokusai^?) (nacido y muerto en Edo, actual Tokio, octubre de 1760 - 10 de mayo de 1849) fue un pintor y grabador japonés del período Edo, adscrito a la escuela Ukiyo-e de pintura japonesa.
Pintor y grabador, también conocido por los diversos nombres que utilizó a lo largo de su carrera profesional, Shunro, Sori, Kako, Taito, Gakyonjin, Iitsu y Manji. Es uno de los principales artistas de la escuela Ukiyo-e, "pinturas del mundo flotante".

La imagen proyecta una intencion de profundidad y perspectiva, dentro de un contexto cotidiano, se destaca
el contraste de color, textura y manejo de formas reales e irreales, como el agua y las montañas; sin perder el estilo de la escuela ukiyo-e.


Miguel Lòpez

ukiyo-e

movimiento artistico de origen japonescaractericaracterizado por el realismo en sus obras  pues reflejan el paisaje  caracteristico de japon  tiene diferentes tamaños trazos seguros  color intenso y variado en este  genero se destacan hiroshige y  hokusai  

mario guaquez enriquez
katherine flores

El dragón de humo escapando del monte Fuji por Hokusai

Genero: ukiyo-e

Titulo: el dragon de humo escapando del monte fuji

Autor: katsushika Hokusai

Dio un gran salto para la pintura ukiyo-e y convirtio los temas mas simples y sencillos en generos autonomos y reconocidos.

La influencia de este autor data de la experimentacion de color la audacia en combinacion y mezcla de estos, manejo de perspectiva y detalle y ademas de esto el reflejo de naturaliidad de la escena; pero sobretodo el juego entre espacios.

Hokusai muestra a traves de esta manera de grabado una literalidad con respecto a su aprendisaje que condiciono en europa. Su importancia tambien radica en el movimiento del manga del cual es precursor.

RICHARD ANDERSSON PINTO R.

EDWARD ARTEAGA PASOS. 

carteles del siglo xx

En la imagen, litografía 'Reine de Joie de Victor Joze' (1892), de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Imprenta: Imprimerie Edward Ancourt et Cie.,
se puede analizar como las illustraciones orientales tuvieron gran influencia en la mayoria de carteles,la importancia del dibujo y lo plano de la imagen son características inspiradas en la estampa japonesa
ademas que los colores sobrepuestos litografiacamente en la imprenta dan los tonos y colores deseados.

influencia en el diseño grafico Toulouse-Lautrec
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/neoimpresionismo/toulouse_lautrec.html
carteles del siglo xx
http://www.elmundo.es/albumes/2007/04/24/carteles/index_1.html

steven galeano ---cristian ibarra

Folk-Tales of Bengal

ILUSTRADOR: Warwick Goble (1862-1943)

TITULO: “Folk-Tales of Bengal” (Cuentos populares de Bengala)

AUTOR: Lad Behari Day

EDITADO: 1912

Warwick Goble (Gran Bretaña, 1862-1943) fue un ilustrador Victoriano que nació en Dalston, Londres. Se educó en la City of London School y en la Westminster School of Art.

No fue hasta 1896, a la edad de 34 años, cuando empezó a ilustrar libros. Se especializó principalmente en cuentos de hadas, de damas, príncipes, y en escenas exóticas de Japón, India y Arabia. Trabajó en una imprenta haciendo cromolitografías, y contribuyó con las revistas de la epoca Pall Mall Gazette y la Westminster Gazette.

Su sentido del color y sus técnicas de acuarela influenciadas por el arte japonés, fueron siempre del más alto nivel. Su capacidad para crear mundos de fantasía no tenía fin: se sumergía en los ambientes que creaba, viviendo en ellos plenamente, mientras de sus manos surgían sus maravillosos dibujos. Siempre estuvo unido al mundo de los niños a quienes hacía transportar con sus dibujos a otras dimensiones.

GERMAN LUCERO—BRAYAN MELO

RENÉ MAGRITTE Y EL REALISMO MÁGICO

A René Magritte los artificios de la magia y el sueño se le rindieron en este cuadro titulado la caída (la golconda).
Cuando los objetos representados en el cuadro se hacen con una precisión parecida al del objetivo fotográfico y en ese detallismo sumo hay una cierta irrealidad debido a la intervención de elementos paradójicos o misteriosos entramos en el REALISMO MÁGICO.
EL REALISMO MÁGICO es un término que engloba diversos estilos pictóricos, desde 1925 se aplicó a una variante de la Neue Sachlichekeit (La Nueva Objetividad. Fuera máscaras)


El término fue inicialmente usado por un crítico de arte , el alemán F Roh, para describir una pintura que demostraba una realidad alterada, pero fue usado más tarde por el venezolano Arturo Uslar Pietri para describir el trabajo de ciertos escritores latinoamericanos como Miguel Ángel Asturias y Gabriel García Márquez.


SANTIAGO PASTAS DELGADO
GIOVANNY ANDRES GOMEZ

Aubrey Vicent Beardsley

Obra: Le Morte d`Arthur

De: Sir Thomas Malory

Ilustracion: Aubrey Beardsley

Beardsley fue artista pintor e ilustrados ingles, murio a la edad de 25 años.

En sus años como profesional marco cierta tracendencia ya que sus obras han despertado admiracion y escándalo.

Aprendio la estampa tipicamente japonesa y clasica con trazos muy estilizados y con grandes superficies negras y blancas, estas zonas blancas contrastaban con las zonas negras las cuales eran igualmente extensas .

Utilizo diversas tematicas como la mitologia, el erotismo, las caricaturas, entre otras, y tambien sus obras expresaban cierto estilo de sencibilidad imaginativa y hedonismo.

El tenia una frase con la cual lo identificaba mucho, el dijo: << Sólo tengo un objetivo- lo grotesco, sino soy grotesco no soy nada.

muchas de sus obras las podemos apreciar en esta pagina: http://misobsesiones.com/aubrey-beardsley/ilustracion/

Camila Rosas Gómez

Mujer Con Espejo

Título de la Obra: Mujer con Espejo

Autor: Kitagawa Utamaro (Kitagawa Ichitaro)

(?,h. 1753 - Edo, Tpkyo, 1806)

Kitagawa es considerado como uno de los artistas mas conocidos y valorados en occidente, sus pinturas en su mayor parte como se apreciar en la imagen eran representaciones idealizadas femeninas inspiradas en prostitutas y geishas. En este retrato de una geisha de medio busto se puede apreciar el poco realismo, sencillez, gran expresividad y la idealización de lo que en aquel entonces se conciderava belleza y moda. Elegancia, ternura, dibujo nitido y seguro y el uso de pocos colores (en su malloria pasteles) son algunas de las caracteristicas que podemos encontrar en este y otros trabajos de kitagawa utamaro.

Danny Portillo

Cesar Estupiñan

ukiyo-e La Gran Ola de Kanagawa

Esta estampa es la obra más conocida de Hokusai y la primera de su famosa serie Fugaku sanjūrokkei (富嶽三十六景, 'Fugaku sanjūrokkei'? «Treinta y seis vistas del monte Fuji»), además de ser la estampa más famosa de su género así como una de las imágenes más conocidas en el mundo.

Autor:Katsushika Hokusai

Fecha:1823-29

Museo:Metropolitan Museum

Características:25 x 37 cm.

Material:Oleo sobre tabla

Grabado realizado sobre madera por Katsushika Hokusai un pintor y grabador de origen campsino del siglo XVIII, que, entre otras cosas fue el precursor de la palabra manga, que proviene de combinar los kanji correspondientes a informal y a dibujo y, por tanto, primera persona en dibujar dicha modalidad de dibujo.
Hokusai es considerado como uno de los creadores mas asombrosos del sigle xx. Se dio a conocer en una expocicion en paris en el año 1867.  A partie de entonces sus obras fueron coleccionadas con entuciasmo por autores impresionistas como Claude Monet Edgar Degas y Henry Toulouse Lauctrec.


ALEXANDER TELAG
EDWIN ZAMBRANO

Toulouse Lautrec 

 El hombre más famoso realizando carteles en su época, y me refiero a Toulouse-Lautrec (Henri Marie Raymond) Pintor, dibujante y litógrafo francés. Por consejo de su maestro René Princeteau, se dedicó a la pintura, hallando su refugio en el cultivo del arte. Hacia 1882 viajó a París, donde trabajó en los talleres Bonnat y de Cormon, y se hizo amigo de Van Gogh.


Su afición a frecuentar cafés y salas de espectáculos le llevo al arte del cartel, famoso por representar al Moulin Rouge y de sus obras más conocidas Mujer quitándose la media. Viajó incansablemente y murió en plena juventud. En Francia es posible encontrar obras de este grandioso personaje .

Richar Martinez Meneses

LAS TRES MONTAÑAS SAGRADAS (SANREIZAN)

 la leyenda de el monte Fuji es la montaña más elevada de Japón.

En el principio de los tiempos existían dos deidades personificadas en dos enormes montañas, una era el monte Fuji (femenino) y su vecino, el monte Haku (masculino). Ambos tenían un gran ego y discutían continuamente por ver cuál de los dos era más alto. Un día decidieron poner fin a esa disputa y solventarlo definitivamente, para ello llamaron al Buda de la luz infinita el cual con su gran sabiduría coloco un tubo entre las dos montañas e hizo pasar un chorro de agua a través del tubo, el Monte Fuji al sentir el agua de inmediato se dio cuenta que no era el más alto.

El monte Fuji indignado al descubrir la verdad no pudo frenar su ira y golpeo al monte Haku con todas sus fuerzas, llegando incluso a romperle la cabeza y dividirla en ocho trozos, que corresponden a cada uno de los picos que se pueden ver a día de hoy en el monte Haku. Desde ese día el Monte Fuji se convirtió en la montaña más alta de Japón.

ESTUDIANTE: CHRISTIAN ROSERO
D.G. 3

Ukiyo-e Maple leaves at Tsutenryo de Ando Hiroshige

Hojas de Arce en Tsutenryo
Autor: Ando Hiroshige
Dibujante, grabador y pintor Japonès, nacido en 1797 en Edo ( actual Tokio)
y que murio en la misma ciudad en 1858.

Ando Hiroshige fue uno de los màs grandes paisajistas de la pintura
japonesa. Captaba momentos de la vida diaria
 interpretaba la naturaleza de una manera diferente a la de sus maestros
y esta obra la caracterizò por el manejo del color ,
 en el  paisaje dominan el azul y el verde



Carolina Vèlez.

BELEROFONTE Y LA QUIMERA

Ilustrador: Walter Crane

Título: Un libro Maravilla para chicas y chicos

Autor: Nathaniel Hawthorne

Editorial: Houghton, Mifflin

Fecha de publicación: 1892

 Walter Crane fue uno de los ilustradores de libros más populares de los niños en el siglo XIX. Su estilo se dará a conocer a casi todos, ya sea porque conocen su nombre o no, y sus libros han sido pilares fundamentales para las familias durante generaciones.

 En la imagen podemos apreciar una de las escenas de la mitologia griega donde Belerofonte armado de espada  y escudo derrota a la quimera sobre el Pegaso, el personaje principal de la ilustración  viste la armadura de un soldado romano, el Pegaso de color blanco y la quimera recostada en la parte inferior derecha mostrando derrota. 

Los colores de esta impresión son brillantes  y de una gran gama por lo que parece que la imagen se encuentra  en tres dimensiones. Tiene gran definición de calidad de impresión, típicas de finales de 1800 -  Las líneas reflejan una imagen limpia que crea una atractivo peculiar.

http://www.nocloo.com/gallery2/v/walter-crane-wonder-book/crane-wonder19.jpg.html

Mauricio Fajardo Moreno

Gabriel Obando Hormaza 

Barcos Remolcados en el Canal Yotsughi-Dori Hiroshige

Ukiyo-e

Ukiyo-e (pinturas del mundo flotante), son grabados realizados con xilografía (impresión en planchas de madera) producidos en los siglos XVII y XX.

El Ukiyo-e era en su mayoría adquirido por habitantes que por lo general no tenían el dinero suficiente como para comprar una pintura original.

El  Ukiyo-e ilustraba la vida de la ciudad, particularmente actividades y escenas de lugares de entretenimiento. Cortesanas hermosas, robustos luchadores de sumo y actores populares (kabuki) eran representados realizando actividades atractivas.

 

Barcos Remolcados en el Canal Yotsughi-Dori  Hiroshige

Este grabado nos permite ver un horizonte lejano de un paisaje agrícola del Japón.

El colorido es muy llamativo, los azules del rio, los verdes de las orillas, todo está cuidadosamente coloreado de forma planista para producir placer, con líneas claras y precisas que delimitan y dan forma al color.

La distribución espacial está muy conseguida, los meandros del rio complementan la escena y los títulos ponen un toque de buen gusto con una estética oriental propia.

David Andrés Yamá

Juan Pablo Bucheli 

Art Noveau - JULES CHERET (1836-1933) El padre del cartelismo moderno.

El personaje creador de estos carteles es considerado el padre del cartelismo moderno JULES CHERET (1836-1933), hijo de un tipógrafo quien aprendió el oficio, se formó en los talleres litográficos de Londres y París. Es uno de los grandes exponentes del ART NOVEAU.

Fue un gran pintor que llevó su arte a los carteles callejeros, pues para las industrias que lo contrataban era un medio publicitario muy poderoso.

Es muy importante el estilo de CHERET desde el punto de vista compositivo porque a la vez de ser anuncios simples y con colores planos, tuvo siempre la particularidad de utilizar a la mujer en un primer plano con un protagonismo que hasta ese entonces no se había hecho.  Esta característica primordial de una forma femenina engalanada fue empleada como un “gancho” para que el hombre, quien generalmente aparece en un segundo plano, compre el producto atraído por la figura femenina.

Este elemento clave ha sido manipulado por la publicidad hasta nuestros días, mostrando de una forma atractiva e insinuante que invita a la posesión del producto anunciado como si ello conllevara el derecho de poseerla a ella también.

David F. Díaz
Oscar Espinosa. 
DG III

Beggarstaff Brothers (J. & W)

Nombre: Kassama Corn Flour (Kassama Arina De Maiz)

La obra mas conocida de los  Beggarstaff J. & W., quienes eran conocidos por su nueva tecnica, el collage, utilizando papeles recortados, donde el observador era quien se encargaba dedecifrar lo que estaba en este,  Esto se muestra en el cartel de Kassama donde se utiliza negro y amarillo. De este modo, el espectador tiene que decidir dónde termina la figura y donde comieza, así como descifrar los objetos del fondo.

Aunque Beggarstaff J. & W. no ganaron mucho con este trabajo; en mayo del 2004 rompieron record de subasta en Swann Galleries con un cartel Un Viaje a Chinatown  el cartel alcanzao fama mundial, e incluso en su propio tiempo, fue sumamente raro y costoso.

Esto es lo que me llama la atencion de estos cartelistas debido a que, solo con recortes lograban dar una silueta bn detallada, y se podia interactuar con el espectador apesar de no estar presente. generando un cartel interesante y llamativo, el mejor de su epoca. aunque los Beggarstaff se separaron William Nicholson logro obras esplendidas y con nuevos estilos como el abecedario ilustrado.

http://www.parisposters.com/Beggarstaff/A-Trip-to-Chinatown.html
http://williamnicholsonprints.com/art.php?min=0&max=10000000

Juan Sebastian Rodriguez

proserpina

DANTE GABRIEL ROSSETTI
Las primeras grandes pinturas de Rossetti muestran algunas de las cualidades realistas del movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta su primer lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos. En sus obras destaca el uso del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para el decadentismo y el simbolismo. Rossetti progresivamente prefirió imágenes simbólicas y mitológicas a las realistas.


Obra: Proserpina o Perséfone (1873)

Obra que pintó varias veces donde se narra el mito de una mujer raptada por el Hades, dios de los infiernos y que tuvo que liberarla, pero con la condición de que no comiera nada en el regreso; Hades la engañó para que comiese seis semillas de granada, fruto de los muertos, que la obligaban a volver seis meses cada año, uno por cada semilla. La diosa es representada según un canon común al romanticismo y al simbolismo: la mezcla de belleza y muerte se indica con el pelo negro y una pose sensual de mujer fatal. En su mano, la granada alude al mito y también, en clave simbólica, a la muerte y la sangre.

LUIS CARLOS VERDUGO
LAURA SOFIA LOPEZ

LA GRAN OLA

ES UNA DE LAS OBRAS MAS IMPORTANTES DEL UKIYO-E  ECHA EN BLOKE DE MADERA FUE CREADA POR EL MAESTRO KATSISHITA HAKUSAI COMO PARTE DE UNA SERIE DE VISTAS DE EL MONTE FUJI EN TOTAL 36.

EL MAESTRO HAKUSAI NACIO EN TOKIO EN 1760. TRABAJO EN UNA LIBRERIA, LUEGO PASO A UN TALLER DONDE APRENDIO RL GRAVADO Y  ESTILO UKIYO-E COMENZANDO A RETRATAR CORTEZANOS,ACTORES KABUKI, PAISAJE NATURALY RETRATOS DE PERSONAS DE DIFERENTES ESFERAS SOCIALES.

EN CUANTO A LA OBRA LA GRAN OLA UBICADA COMO PRIMER PLANO DONDE EN EL FONDO SE MIRA EL MONTE FUJI CON NIEVE EN SU CUMBRE, LO CUAL CONTRASTA CON LA FURIA INMINENTE DE LA OLA QUE  ARREMETE CONTRA UNAS BARCAS DE PESCADORES; OBSERVANDO  EL COLOR HAY GRAN CONTRASTE ENTRE EL AZUL, EL NEGRO, EL NARANJA DE EL CIELO Y EL CAFE  DIFUMINADO DE LAS BARCAS, EN SU COMPOSICION LA OLA  EN TIENE MAS GERARQUIA SIENDO LA IMAGEN PRINCIPAL  QUE  MARCA EL RITMO DE LAS QUE LE SIGUEN COMO LAS BARCAS Y  EN EL FONDO EL MONTE FIJI , AQUI SE GENERA UN GRAN CONTRASTE ENTRE PLANOS.

LA GRAN OLA HA SIDO UNA DE LAS OBRAS MAS IMPORTANTES DE HOKUSAI Y GRAN INFLUENCIADORA DE EL ARTE OCCIDENTAL.

ALEXANDER OLAYA              CRISTIAN MARTINEZ

BIERES DE LA MEUSE Art Nouveau

Titulo: " bieres de la Meuse" cervezas de la Meuse
Año de publicación : 1897
Autor: Alfons Maria Mucha (1860-1939)

Cartel litográfico más representativo de Mucha donde la figura central es una mujer ( Sarah Bernhardt, musa de Mucha) que acaricia una jarra de cerveza.

* Uso de la figura femenina, tal y como se lo muestra en esta obra; como imagen principal, una mujer de cabelleras largas y sueltas, que le dan movimiento a toda la composición, con atuendos de tipo neoclásico que cubrían poco y que destacaba la figura curvilínea.

* Predomina el uso de colores cálidos con líneas límite de color negro

* En la ornamentación se usan elementos de la naturaleza, flores, decorados recargados y otras formas de tipo orgánico entrelazado que enmarcaban a la mujer .

* La imagen y el texto se separan ,el segundo se dispone sobre el primero

* Uso de tipografías dibujadas, de tipos romanos espesos acompañada de elementos decorativos, predomina el uso de mayúsculas y la variación del tamaño
 
MILENA TORRES G

Okita de la casa del té de Naniwaya

OBRA: Okita de la casa de té de Naniwaya

AÑO: 1790

AUTOR: Kitagawa Utamaro

Esta obra es un retrato de una geisha con un estilo refinado y elegante, el cual carateriza a su autor; quien se basó en la sensualidad y belleza femenina para lograr maravillosas composiciones, principalmente usa colores pasteles en su mayoria; representa una escena de la vida cotidiana, y añade algunos simbolos grabados al fondo del dibujo.

Angie Lagos 

Maria Fernanda Arteaga  

Princess Belle Etoile (WALTER CRANE)

Los niños de la reina Blondine y la hermana Brunette, recogidos por un corsario despues de siete días en el mar.

Walter Crane: Artista inglés nacido en Liverpool que participó del movimiento "Arts and Crafts". Realizó pinturas, ilustraciones, libros para niños, mosaicos y otros objetos decorativos.

Es importante resaltar como este grán artista, representa el sufrimiento y agotamiento de los protagonistas a partir de la ilustración y como nos lleva a contemplar y apreciar el manejo de la escala cromática, contraste de colores y la simplicidad de los trazos capturando el momento de forma específica a la realidad.  
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Juan Sebastian Nieto C.